Lernbereich 1: Konstituierende Elemente

Begriffsrepertoire in Bezug auf körperorientiertes Spiel kennen lernen und anwenden Ausdrucksqualitäten von Gestik, Mimik und Proxemik (Bewegung im Raum) erkunden und als Gestaltungsmittel einsetzen elementare Bewegungsarten (sitzen, liegen, stehen, fallen, gehen,...) als Ausdrucksträger erkennen und einsetzen Elemente der alltäglichen Körpersprache wahrnehmen, ihre Wirkung erkennen und sie bewusst als theatrale Ausdrucksmittel einsetzen, um ∗ Emotionen auszudrücken ∗ Stimmungen zu schaffen ∗ Situationen zu verdeutlichen ∗ Räume zu schaffen ∗ theatrale Figuren zu gestalten ∗ Beziehungen zwischen Figuren zu klären Techniken des Bewegungstheaters wie Freeze, Zeitraffer und Zeitlupe, Bühnenkampf- und Falltechniken, Marionetten, Roboter kennen lernen und anwenden Techniken des Bildertheaters wie Statuen, lebende Bilder, lebendes Bühnenbild, Tableaux, ”Schnappschüsse” kennen lernen und anwenden Techniken bei der Gestaltung von Gruppenaktionen wie Spiegeln, Domino, Schatten, Verdoppelungen bzw. Vervielfachung von Bewegungen kennen lernen und anwenden Elementare Grundtechniken der Pantomime (pantomisches Gehen, Treppensteigen, imaginäre Gegenstände handhaben, imaginäre Räume schaffen, imaginäre Kraft einsetzen...) kennen lernen elementare Tanztheatertechniken kennen lernen (z.B. eine inhaltliche Aussage tänzerisch schaffen) Begriffsrepertoire in Bezug auf den Teilbereich ”Stimme und Sprechen” kennen lernen und anwenden Zusammenhang zwischen Atmung, Bewegung und Stimme erkennen und bewusst herstellen Stimmveränderung durch körpereigene und technische Mittel erfahren das stimmliche und sprecherische Ausdrucksrepertoire erweitern und differenzieren (deutliches Sprechen, modulieren, rhythmisieren, gliedern) mit Artikulationsweisen experimentieren (schreien, flüstern, langsam, schnell, gedehnt, gestoßen sprechen) mit unterschiedlichen Arten des Sprechens die Bedeutung von Sprechinhalten verändern Emotionen stimmlich, aber nicht-sprachlich ausdrücken können (kichern, seufzen, stöhnen, lachen, weinen) mit Spielpartnern Stimme und Sprechausdruck in Redesituationen aufeinander abstimmen Stimme und Sprechausdruck in Lautstärke, Tonhöhe und Sprechtempo an die akustischen Gegebenheiten des Raumes, an die Spielform und an die Aussageabsicht anpassen Wechselwirkung zwischen gestaltetem Sprechen und anderen theatralen Ausdrucksträgern erfahren Experimentieren mit Nonsens-Sprachen Formen des chorischen Sprechens (gleichzeitig, versetzt, Domino, Refrain, ...) Nutzung der Stimme als Klang- und Geräuschinstrument (Hintergrundgeräusch, Klangteppich, Maschinen, Natur, ...) sich ein Begriffsrepertoire in Bezug auf Rollenarbeit aneignen überlegen, welche Rollenvorgaben in einer Textvorlage durch das Projektvorhaben festgelegt sind bzw. festgelegt bleiben sollen (Junge/Mädchen; physische Erscheinung; psychische Verfassung; spezifische Anforderungen an Stimme, Gestik, Bewegung) ihr eigenes Darstellerpotenzial (unveränderliche Faktoren in physischer oder stimmlicher Hinsicht und veränderliche Faktoren im Ausdruckspotenzial) so einsetzen, dass sie den Anforderungen der Rolle gerecht werden Möglichkeiten der Typisierung kennen lernen und damit experimentieren (z.B. durch Reduktion oder Übertreibung) erkennen, dass Besetzungen, die scheinbar ”gegen” die Rolle wirken, diese Rolle neu und überraschend interpretieren und eindrucksvolle Wirkungen erzeugen können (z.B. wenn eine ”typische” Jungenrolle von einem Mädchen gespielt wird oder umgekehrt) erkennen, dass eine theatrale Figur aus der Synthese von Darsteller und Rolle entsteht verschiedene Methoden der physischen und psychischen Annäherung an Rollen kennen und anwenden: − Rollenbiografie − Haltungen, Gänge, Gestik, Mimik, Sprechgestus für Rollen probieren und finden − Überlegungen zur individuellen Gestaltung von Figuren durch Kostüm und Maske weitere Methoden der Rollenerschließung kennen und anwenden − szenisches Interview − Erschließung von Subtexten − ”alter ego”-Übungen − ”Pro- und Contra”-Methoden − Komponentenanalyse Methoden kennen, um Beziehungen zwischen Figuren deutlich zu machen − Standbilder − Beziehungstableaus − Improvisationen zu ”Leerstellen” einer Vorlage (z. B. Figuren in unterschiedlichen − Konstellationen treffen aufeinander) sich ein Begriffsrepertoire in Bezug auf Kostümgestaltung aneignen Lust entwickeln, durch Kostümieren in andere Rollen zu schlüpfen erfahren, dass Kostüme Teil der Aussage sind die Problematik von ”naturalistischen” Kostümen kontinuierlich erfahrbar machen in einheitlichen Grundkostümen spielen, mit kleinen Veränderungen und einfachen Attributen (z.B. Hut, Schürze) experimentieren beim Entwerfen und Herstellen von Kostümen mit Mitteln der Reduktion und Stilisierung arbeiten (z.B. eine einzelne Feder für einen Vogel) für Figuren und Spielinhalte Kostüme finden / entwerfen / herstellen mit einfachen Mitteln Kostüme herstellen Kostüme aus unterschiedlichen Grundmaterialien herstellen (Papier, Tücher, Draht) Kostüme bewusst einsetzen, um Aussagen zu gestalten (z.B. Märchen in modernen Kostümen) die Bedeutung von Kostümierung als Teil des Figuren- und Inszenierungskonzepts begreifen Wirkung von Kostümen im Kontext zu den anderen bühnenspezifischen Ausdrucksträgern, insbesondere Licht, einschätzen können Kostüme als Spielanlässe nutzen Kleidung im Wandel der Geschichte in Ansätzen kennen und diese Kenntnisse zur Gestaltung von Kostümen nutzen sich ein Begriffsrepertoire in Bezug auf Schminktechniken aneignen Lust wecken bzw. erhalten, durch Schminken das eigene Gesicht zu verändern Maske als Möglichkeit erleben, sich mit Rollen zu identifizieren einfache Schminktechniken erlernen typisierende Schminkmöglichkeiten ausprobieren Möglichkeiten kennen lernen, durch Schminken Gesichter zu gestalten (”Schönschminken”, Fantasie- und Tiermasken) erfahren, dass Schminkmasken Teil der Aussage sind für Figuren und Spielinhalte Schminkmasken finden / entwerfen / herstellen die Bedeutung von Maske als Teil des Figuren- und Inszenierungskonzepts begreifen Wirkung von Maske im Kontext zu den anderen bühnenspezifischen Ausdrucksträgern , insbesondere Licht, einschätzen können geschminkte Masken als Spielanlässe nutzen sich ein Begriffsrepertoire zur Beschreibung von Funktionen beim Umgang mit Requisiten aneignen optische, haptische und akustische Qualitäten eines Requisits allein und in Gruppen erforschen und gestaltend einsetzen verschiedene Funktionen eines Requisits kennen − Gebrauchsgegenstand − Mitspieler (Aussage unterstützend oder zur Charakterisierung einer Person) − Gegenspieler (z. B. ”Tücke des Objekts”) − suggestiver Gegenstand (Anmutungsqualität, fantasievolle ”Übersetzung” eines Gegenstandes in einen anderen) − Symbol für Vorgänge, Bedeutungen eines Inhalts mit multifunktionalen Einsatzmöglichkeiten von Requisiten (Hüte, Stöcke, Steine, Zeitungen, Tücher, Seile, ...) experimentieren Requisiten zur Charakterisierung von Figuren finden Herstellen von Requisiten aus einfachen Materialien den Symbolgehalt von Requisiten erforschen und symbolhaltige Requisiten für unterschiedliche Inhalte finden Spiel mit imaginären Gegenständen (pantomimische Techniken) Requisit als Kern eines Spielgeschehens und auch als Ausgangspunkt von Spielaktionen sich ein Begriffsrepertoire zur Bühnengestaltung aneignen eine bühnenwirksame Aussage mit minimalen Mitteln herstellen (”armes Theater”) multifunktionale Bühnenelemente finden und mit ihnen experimentieren (Kisten, Stühle, Tische, Stellwände, ...) nicht-naturalistische Möglichkeiten von Kulisse und Dekor erkunden und erproben, z.B. − ein einzelnes Dekorteil als symbolhaltiges Gesamtbühnenbild − Verzerrung von Dimensionen in Kulisse und Dekor mit den Körpern der Spielerinnen und Spieler ein ”lebendiges” Bühnenbild (Vorhang, Wände, Bäume, Möbelteile) schaffen mit einem ”bespielbaren” Bühnenbild (Gerüste, Leitern, Kisten etc.) experimentieren multifunktionale Bühnenelemente herstellen (Kisten, Treppen, Stellwände, Gerüste) den funktionalen Zusammenhang von Kulisse/Dekor mit Inhalt, Aussage und Stimmung eines szenischen Produkts erkennen und verdeutlichen den funktionalen Zusammenhang von Kulisse/Dekor mit anderen bühnenspezifischen Ausdrucksträgern wie Licht, Kostüm, Requisit erkennen und verdeutlichen Konzepte für Bühnenbilder entwickeln im Hinblick auf − gewünschte Aussage − Gegebenheiten des Raumes − materielle Möglichkeiten − handwerkliche Möglichkeiten sich ein Begriffsrepertoire für das Spiel im Raum aneignen einen Raum bespielen ( Ausrichtung auf ein Publikum, Anordnung und Verteilung der Spieler im Raum, Raumgleichgewicht, ...) Wirkung von Positionen und Bewegungen von einzelnen Spielern und Gruppen im Raum wahrnehmen: − oben - unten, − vorne - hinten, − diagonal Wirkung von Positionen und Bewegungen von einzelnen Spielern und Gruppen im Raum als Gestaltungsmittel einsetzen: − Nähe - Distanz, − Enge - Weite, − Hierarchie, Macht durch den körperlichen Ausdruck Raumeindrücke vermitteln (z.B. Dunkelheit, Kälte, Bedrohlichkeit...) Positionen und Anordnungen von Spielobjekten im Raum in ihrer Wirkung erproben mit einfachen Mitteln einen Raum in einen aussagebezogenen Spielraum verwandeln neben den traditionellen Bühnen unterschiedliche Räume als Spielräume entdecken ( Treppenhaus, Flur, Pausenhof, ...) Qualitäten unterschiedlicher Räume wahrnehmen und als Ausdrucksträger nutzen für Spielinhalte Raumkonzeptionen entwickeln und umsetzen Stationentheater öffentliche Schauplätze als Spielorte für Straßentheater erkunden Fachvokabular in Bezug auf Bühnenbeleuchtung und den Umgang damit aneignen erfahren, dass Licht Teil der theatralen Aussage ist unterschiedliche Lichtquellen (natürliche und künstliche) als Beleuchtungsmöglichkeiten erfahrbar machen mit unterschiedlichen Beleuchtungsmöglichkeiten (z.B. Kerzen, Taschenlampen, Bühnenscheinwerfer, Schwarzlicht) experimentieren technische Möglichkeiten der vorhandenen Scheinwerfer ausprobieren, erkunden (z.B. Lichteinfall, Schatten) und gestaltend einsetzen die vorhandene Lichtanlage fachgerecht bedienen können mit den vorhandenen Lichtquellen Beleuchtungskonzepte entwickeln und erproben: − Stimmungen schaffen − Figuren charakterisieren − Figuren verbinden, trennen, isolieren, hervorheben − Räume schaffen und definieren − Vergehen von Zeit erfahrbar machen zu einer vorgegebenen Beleuchtung Spielhandlungen entwickeln Begriffsrepertoire in Bezug auf die akustischen Ausdrucksträger aneignen Palette musikalisch/akustischer Möglichkeiten kennen und ausprobieren − experimentieren mit den Geräusch- und Klangqualitäten unterschiedlicher Materialien (z.B. Steine, Plastiktüten) − Stimme und Körper der Spieler als Klang- und Geräuschinstrument entdecken (z.B. schnalzen, klatschen, trampeln) − akustische Qualitäten von Musikinstrumenten erkunden (z.B. klopfen, surren, Saiten ziehen.) − singen − mit Instrumenten musizieren (Live-Musik) − Musik, Geräusche, Klänge über Tonträger einsetzen − mit Stimmen, Instrumenten und anderen Materialien Klangteppiche und Klangatmosphären schaffen − bewusst mit Stille und mit Pausen umgehen die Tonanlage fachkundig bedienen können dramaturgische Funktionen von Musik/Geräusch/Klang kennen und nutzen: − Leitmotive entwickeln − Stimmungen schaffen − Figuren charakterisieren − Handlungen strukturieren / rhythmisieren / begleiten / kontrastieren / unterstützen / kommentieren − Gesten hörbar machen (”Mickey-Mousing”: z.B. instrumental hergestelltes Zähneknirschen) − Musik und Gesang als Teil von Spielhandlungen einsetzen − musikalische Zitate bzw. musikalische Stile als Gestaltungsmittel nutzen den Zusammenhang mit anderen Ausdrucksträgern wahrnehmen und gezielt einsetzen (z.B. Choreografien, Licht und Musik, Sprache und Musik) zu musikalischen / akustischen Impulsen szenische Sequenzen entwickeln für Inszenierungen geeignete musikalische / akustische Konzepte entwickeln

Lernbereich 2: Konstituierende Strukturen und Inhalte szenischer Produkte

sich ein Begriffsrepertoire zum Einrichten und Bearbeiten von Spielvorlagen aneignen die Bedingungsfaktoren der eigenen Spielgruppe realistisch einschätzen lernen (Größe, Alter, Spielinteressen, Können und Spielabsicht der Gruppe selbst; räumliche und technische Möglichkeiten des Spielortes; Bezug zum Publikum ...) gemäß den Bedingungsfaktoren die wichtigsten Grundverfahren der Einrichtung eines Stücks kennen und ansatzweise anwenden: − Streichen als eine Möglichkeit ansehen, so entschieden in einen Text einzugreifen, dass die Spielabsicht besonders deutlich wird (z.B. Reduktion auf ein Thema oder auf nur wenige Personen ...) − Erweitern als eine Möglichkeit erkennen, eine kurze Spielvorlage oder eine Vorlage mit wenigen Figuren so anzufüllen, dass spezifische Gruppenbelange berücksichtigt werden (z.B. alle Spielerinnen und Spieler durch Erfinden einer Parallelhandlung in ein figurenarmes Stück ”einbauen”; das zentrale Thema eines kurzen Stücks durch Zusatztexte zum gleichen Thema ”anreichern”...) − Umformen als eine Möglichkeit erkennen, die Aussage eines Textes unter einer neuen Perspektive erscheinen zu lassen (z.B. Aussage eines älteren Stücks unter Bedingungen der Gegenwart beleuchten; moderne Figuren in alten Text einsteigen lassen) bei diesen Grundverfahren der Einrichtung sich klar werden, wie bearbeitet werden kann, warum bearbeitet werden soll und zu welchem Zeitpunkt der Projektarbeit sinnvollerweise die Spielvorlage bearbeitet werden sollte erkennen, dass dramatische Handlungen eine klare überschaubare Struktur haben sollten, dass ein Zeitgerüst für die Handlung festgelegt werden muss, dass das ”timing” stimmt, dass spannungsfördernde Elemente vonnöten sind Figuren aus dem Ausgangsmaterial herausfinden, die zur Identifikation einladen bzw. Figurenkonstellationen, die durch Grundmodelle wie ”Kontrast”, ”Dreieck” oder ”Einzelner- Kollektiv” spannungsfördernd sind Sprache so umformen können, dass aus dem narrativen Text zielgerichtete, handlungsvolle Dialoge entstehen und dass eine Nähe zur Eigensprachlichkeit der Spielerinnen und Spieler hergestellt wird das Ausgangsmaterial auf seine szenische Realisierbarkeit hin einschätzen und überprüfen können Spielinhalte aus Improvisationen entwickeln Figuren finden, erfinden und zu anderen Figuren in Beziehung setzen zu Themen szenische Zugänge finden zu Themen dramatisch stimmige Handlungen erfinden dramaturgisch überzeugende Dialoge bzw. Texte entwickeln zu Spielhandlungen dramaturgisch geeignete Strukturen finden (Collage, geschlossene Handlung etc.) sich ein Begriffsrepertoire zur Beschreibung von Bauformen aneignen auf der Makro- und Mikro-Ebene Strukturmerkmale einer gebundenen Bauform kennen und erkennen (Handlung, Spannung, Personal, Sprache, raum-zeitliches Kontinuum) auf der Mikro-Ebene dramaturgische Strukturmerkmale vorgegebener gebundener Formen in Spiel umsetzen auf der Mikro-Ebene Strukturmerkmale bei der Entwicklung eigener Szenen berücksichtigen: − Handlungskonzept entwickeln − klaren Anfang, klaren Höhepunkt, klares Ende finden − einen Konflikt entwickeln: einführen, entfalten, lösen − stimmige Figuren und klare Figurenkonstellationen finden − eine stimmige Sprachebene finden − Dialoge entwickeln − Mittel, mit denen Spannung erzeugt wird, erproben auf der Makro-Ebene ansatzweise dramaturgische Strukturmerkmale vorgegebener gebundener Formen umsetzen auf der Makro-Ebene ansatzweise gebundene Teilstrukturen entwickeln (s.o.) Merkmale der freien Formen kennen und erkennen (z.B. Strukturierungs- und Verknüpfungselemente, Rahmenhandlung, Tempo/Timing) in Ansätzen Ideen entwickeln zur Komposition von Szenenfolgen: − sinnvolle Reihenfolge der Einzelelemente finden − schlüssige Rahmenhandlungen erfinden − besondere Möglichkeiten für Anfänge und Schlüsse ausprobieren (z.B. Gruppentableau) unterschiedliche Ideen für strukturierende und verknüpfende Elemente entwickeln (z.B. musikalische Elemente, spielerische und formale Elemente, running gags, ...) Rhythmisierende Möglichkeiten kennen und anwenden (z.B. Wechsel von schnellen/langsamen, kurzen/längeren, lauten/leisen Szenen, Gruppen-/Einzelszenen) Möglichkeiten, Stimmungen zu variieren, ausprobieren Eigengesetzlichkeiten dieser Spielform kennen und beim Spiel beachten: − das gesamte Bewegungsrepertoire auf den besonderen Ausdruck der Maske ausrichten können − mit Mitteln der Körpersprache die fehlende Mimik ersetzen können (z.B. zum Ausdruck von Gefühlen) − beachten, dass Masken nur frontal wirken − jedes Zusammenspiel mit Partnern sorgfältig koordinieren (eingeschränkte Sicht) einfache Masken aus unterschiedlichen Materialien herstellen und ihre Bespielbarkeit überprüfen (Papier, Draht, Wellpappe, Pappmaschee) Wirkungen von Masken erkunden: − Masken im Zusammenspiel mit anderen Masken − identische Masken bei unterschiedlichen Spielaufträgen − Masken im Zusammenspiel mit anderen Ausdrucksträgern sorgsam mit den Masken umgehen Bereitschaft entfalten, sich mit eigener Emotionalität im Maskenspiel auseinanderzusetzen Wirkungskontrollen durch andere Spieler in ihrer Bedeutsamkeit erkennen und in den Probenprozess kontinuierlich integrieren unterschiedliche Maskenarten und ihre Besonderheiten kennenlernen für spezielle Projektziele Masken anfertigen und im Spiel erproben zu Masken Geschichten und/oder Choreografien entwickeln zu Musik Maskenimprovisationen entwickeln zu Masken Figuren entwickeln mit Möglichkeiten des Einsatzes von Sprache experimentieren (Spracheinblendungen, Trennung von Spieler und Sprecher) Eigengesetzlichkeiten dieser Spielform kennen und beim Spiel beachten: − die besondere Bewegungstechnik für Schattentheater kennen und anwenden − Haltungen, Stellungen und Bewegungen exakt und bewusst steuern (da Spielfiguren nur im Profil, als Silhouette wirken) − mit Möglichkeiten, die menschliche Gestalt zu verändern und zu verzerren, experimentieren (z.B. Kissen als dicker Bauch) − die Möglichkeiten, Tiefenwirkung zu erzeugen, kennen und anwenden − jedes Zusammenspiel mit Partnern sorgfältig koordinieren − die Schwierigkeiten, Figurengruppen als Schatten wirkungsvoll sichtbar zu machen, realistisch einschätzen (Unsichtbarkeit bei Überschneidungen) die Leichtigkeit von Orts- und Zeitwechseln in diesem Medium ausprobieren und spielerisch einsetzen Bereitschaft entwickeln, eine besonders hohe Konzentration aufzubringen (da jede unkontrollierte Bewegung sofort die Wirkung zerstört) Wirkungskontrollen durch andere Spieler in ihrer Bedeutsamkeit erkennen und kontinuierlich im Probenprozess einsetzen (wechselnde Spiel- und Kontrollgruppen) Fantasievolle Requisiten finden, erfinden, anfertigen Möglichkeiten und Wirkungen von ”Kulissen”-Einblendungen im Schattenspiel erkunden und ”Kulissen” anfertigen mit Möglichkeiten des Einsatzes von Sprache experimentieren (die Spielerinnen und Spieler hinter der Schattenwand sollen nicht sprechen, da sonst die Illusion verloren geht) verstehen, wie Schwarzes Theater funktioniert Eigengesetzlichkeiten dieser Spielform kennen und beim Spiel beachten: − sich bewusst machen, was sichtbar und was unsichtbar ist, die Illusionswirkung einschätzen und bewusst einsetzen − besondere Bewegungstechnik für Schwarzes Theater kennen und bewusst einsetzen − die flächenhafte Wirkung einkalkulieren und damit experimentieren Fantasievolle Requisiten und Objekte finden, erfinden und anfertigen verantwortungsvoll mit Materialien umgehen Spielabläufe sorgfältig vorbereiten und organisieren (beim Spiel ist es dunkel!) jedes Zusammenspiel mit Mitspielern sorgfältig koordinieren (Unsichtbares vor Sichtbarem wird ”sichtbar”, dadurch Illusionszerstörung!) Bereitschaft entwickeln, eine besonders hohe Konzentration aufzubringen, da jede unkontrollierte Bewegung sofort die Illusion zerstört Bereitschaft entwickeln, sich auf intensive Ensemblearbeit einzulassen (erhöhte Achtsamkeit im Dunkeln) Spielabläufe zu musikalischen Impulsen entwickeln Choreografien für einzelne Körperteile entwickeln (z.B. Ballett der weißen Hände) die Schülerinnen und Schüler sollen in der Lage sein, Handlungen (Plots) auf ihre Relevanz für die jeweilige Gruppe zu überprüfen und die Umsetzbarkeit realistisch einzuschätzen die Schülerinnen und Schüler sollen nicht nur Plots, sondern auch Erfahrungsfelder, Stoffe, Motive, Epochen und Figuren als mögliche Quellen für Spielinhalte wahrnehmen können sie sollen in der Lage sein, mögliche Themen/ Stoffe/ Motive/ Figuren für ein Spielvorhaben zu sondieren sie sollen in der Lage sein, sich auf solche Erfahrungsfelder / Themen / Stoffe / Motive / Epochen oder Figuren zu einigen, in denen sich die Gruppe wieder finden kann sie sollen lernen, für das ausgewählte Spielvorhaben (Thema/ Stoff etc.) entsprechende Recherchen durchzuführen, Material (fremdes oder eigenes) zu sichten und auszuwählen sie sollen szenische Spielideen zu Erfahrungsfeld/ Thema/ Stoff/ Motiv/ Epoche und Figuren im Rahmen ihres Spielvorhabens entwickeln können sie sollen in der Auseinandersetzung mit Themen/ Stoffen/ Motiven/ Epochen/ Figuren eigene Anteile entdecken und eigene Zugänge erkunden und einbringen sie sollen in der Auseinandersetzung mit Themen/ Stoffen/ Motiven/ Epochen und Figuren auch fremde Standpunkte, Haltungen, Perspektiven erproben und einnehmen können

Lernbereich 3: Ästhetische Gestaltung

Einsicht in die Struktur einer Szene gewinnen und diese Kenntnisse anwenden: Anfang und Ende, Höhepunkt, Spannungsbogen Einzelelemente aufeinander abstimmen können (z.B. für eine Figur ein Kostüm finden, das den Charakter der Figur unterstreicht oder zu einem Spielinhalt eine passende Musik finden etc.) Mittel der Reduktion, Stilisierung, Fokussierung und Abstraktion kennen und anwenden Methoden des Rollensplittings kennen lernen bei der Beschäftigung mit Details die Gesamtaussage im Blick behalten können einen Spielstil finden können die Struktur vorgegebener Szenen (z.B. Minidramen) analysieren können (Inhalt, Problem, Figuren, Konflikt, Beziehungsstruktur, Handlungsstruktur, Aussagerichtung) einen einheitlichen Spielstil für Spielsequenzen finden können stimmige Inszenierungskonzepte entwickeln können (überzeugende Einbindung von Einzelelementen wie Musik, Maske, Kostüm, Licht, Bühnenbild in das Gesamtkonzept) dramaturgisch wirkungsvolle Strukturen kennen und für das Projekt nutzen (Spannungsbogen, Rhythmisierung, Tempo, Timing, Wiederholungen) Verknüpfungsmöglichkeiten für Szenen zu einer Szenenfolge kennen und anwenden können eine Spielvorlage einrichten können überlegen, vor welchem Publikum das Stück gespielt werden soll (Kinder, "peer group", gemischtes Schulpublikum...) die intendierte Wirkung klären (erheitern, schockieren, betroffen machen, ...) nachdenken und ausprobieren, mit welchen Mitteln diese Wirkungen erzielt werden könnten sich darüber verständigen, was dem Publikum ”zugemutet” bzw. zugetraut werden kann/soll (Erwartungen bewusst nicht ”bedienen”; Mehrdeutigkeiten, Anspielungen, Zitate, verschlüsselte Bilder...) über die gemeinsame Kommunikationsbasis zwischen Spielern und Publikum reflektieren (z.B. Elemente aus der Jugendkultur, die Erwachsenen evtl. fremd sind)

Lernbereich 4: Ästhetische Wahrnehmung und ästhetisches Urteil

Entwicklung einer adäquaten Fachterminologie Überprüfung theatraler Wirkungen bei der szenischen Arbeit in Kleingruppen, wenn z.B. Gruppenmitglieder Regieaufgaben übernehmen Betrachten, Beschreiben und Besprechen von Zwischenergebnissen Reflektieren und beurteilen können, inwieweit die erreichte Wirkung mit der intendierten übereinstimmt und welche Wege zur Verbesserung eingeschlagen werden müssen kritisches Auseinandersetzen mit einem Projektergebnis (Aufführung) und eventuell Überarbeiten von Einzelheiten. im Blick auf Lernbereich 1: − die theatralen Ausdrucksträger und ihren besonderen Einsatz in der Inszenierung bewusst wahrnehmen können (Körpersprache, Sprache, Schminkmaske, Kostüm, Requisiten, Bühnenbild, Licht, Musik/Klang etc.) im Blick auf Lernbereich 2: − Inhalte analysieren können in bezug auf Plot, Thema, Epoche etc. − Bauformen erkennen und beschreiben können − erkennen können, um welche Art von Spielvorlage es sich handelt (z.B. Drama, Jugendbuch, Textcollage) − besondere Spielformen wahrnehmen und einordnen können im Blick auf Lernbereich 3: − ansatzweise Regiekonzeptionen (das Zusammenwirken von einzelnen Ausdrucksträgern) erkennen und beschreiben können − den Zuschnitt der Inszenierung auf ein bestimmtes Zielpublikum erkennen können (z.B. Jugendstück) im Blick auf Lernbereich 5: − evtl. einzelne Faktoren der Aufführung in Zusammenhang sehen mit ihren theatergeschichtlichen bzw. -theoretischen Hintergründen

Lernbereich 5: Theaterkunde

einen ersten Überblick über die Entwicklung des Theaters erhalten und erkennen, dass sich das heutige Theater auf eine lange europäische Tradition gründet theatergeschichtliche Begriffe, Fakten und historische Zusammenhänge kennen und in das jeweilige Projektvorhaben einbeziehen die Geschichte einzelner Spielformen als Hintergrundwissen für eigene Projekte nutzen ein Bewusstsein für die besondere Seinsform des Theaters entwickeln: − für seine absolute Gegenwärtigkeit (existiert nur im Moment der Herstellung) − für eine Kunstform, die an ihre Urheber gebunden ist − für den synchronen Verlauf von Produktion und Rezeption die Besonderheit des Wechselverhältnisses zwischen Spieler und Zuschauer reflektieren und den Unterschied zur Medienkommunikation kennen (Film, Fernsehen, Video, Internet) einzelne Elemente der modernen Dramentheorie als Hintergrundwissen für eigene Projektvorhaben nutzen die drei traditionellen ”Sparten” des Theaters kennen (Musiktheater, Schauspiel, Ballett) durch eine Führung: − architektonische Besonderheiten eines professionellen Theaters kennen lernen − seine notwendige technische Ausstattung (Werkstätten, Fundus, Kostümabteilung, Licht etc.) kennen lernen erfahren, wie eine professionelle Inszenierung entsteht (Zeitabläufe, Proben, Öffentlichkeitsarbeit etc.) Berufe rund um das Theater kennen lernen (künstlerische, handwerkliche, technische, betriebswirtschaftliche) die Idealisierung des Berufsbildes ”Schauspieler” durch die Gesellschaft in Frage stellen (Berufschancen, Arbeitsbedingungen)